Spitz (スピッツ)

Gli Spitz sono una band rock nata a Tokyo nel 1987 e formata da quattro studenti universitari: Kusano Masamune, voce del gruppo, ma anche chitarrista insieme a Miwa Tetsuya, Tamura Akihiro al basso e Sakiyama Tatsuo alla batteria. Sin dalla sua nascita, la band non ha mai interrotto la propria carriera e sono tuttora attivi all’interno del panorama musicale giapponese.

 

La nascita e il debutto

Kusano Masamume e Tamura Akihiro si incontrano nel 1986, entrambi studenti alla Tokyo Zokei University, dove decidono di formare insieme all’amico batterista Ono Atsushi il trio “Cheetahs”. La neo-band inizia ad esibirsi interpretando in chiave hard rock pezzi appartenenti al genere kayōkyoku, base dell’attuale J-pop, e folk rock tipici soprattutto degli anni ’60 e ’70. Poco dopo a loro si unisce anche il chitarrista Nishiwaki Taku, elemento fondamentale che permette a Kusano di concentrarsi maggiormente sul suo ruolo da cantante. Cambiano anche il nome e da Cheetahs diventano gli Spitz, però la decisione di Kusano di cambiare università porta all’immediato scioglimento della band.

Nonostante questo Kusano e Tamura non si separano e portano avanti il loro progetto musicale. In brevissimo tempo a loro si uniscono il chitarrista Miwa Tetsuya e il batterista Sakiyama Tatsuo, dando vita agli Spitz che oggi conosciamo.
Musicalmente e artisticamente influenzati da una delle band punk rock più famose del momento, “The Blue Hearts”, gli Spitz iniziano ad esibirsi negli storici locali di Shinjuku e Shibuya a partire dal 1988. Questo ambiente rappresenta una formazione primaria che porta allo sviluppo di uno stile proprio, grazie anche alla voce soft e malleabile di Kusano che si presta molto bene alla sperimentazione.
Nel 1991 esce il loro primo album eponimo pubblicato sotto l’etichetta discografica della Polydor Records, parte della Universal Music Group. Il riscontro positivo porta l’album al 60° posto nella classifica Oricon, mentre più recentemente, nel 2007 la rivista Rolling Stone Japan l’ha posizionato 94° nella classifica dei migliori 100 album rock giapponesi di tutti i tempi.

 

Il successo

Il successo della band arriva nell’aprile del 1995 con il rilascio del singolo Robinson (ロビンソン), contenuto nel loro 6° album intitolato Hachimitsu (ハチミツ). Il singolo si piazza al 9° posto della classifica Oricon e l’album vende quasi due milioni di copie. Nell’ottobre dello stesso anno parte anche il loro primo tour a lungo termine che li vede impegnati in 40 tappe. Ad accrescere la fama della band sono anche le numerose sigle che usano i loro pezzi, a partire dal singolo che dà il nome all’album, usato dalla Fuji Television per l’anime “Honey and Clover”.

Album dopo album, il successo degli Spitz cresce sempre di più, grazie anche alla loro volontà di reinventarsi e non omologarsi mai. Nel 1997, a dieci anni dalla loro nascita, la band si esibisce in un concerto live improvvisato nel Shinjuku Loft per ricordare l’inizio della carriera e nello stesso anno inaugura anche la Rock Rock Konnichiwa (ロックロックこんにちは) a Osaka, manifestazione simbolo del mondo della musica anticonvenzionale del momento.

 

SazanamiCD

Il loro 12° album, SazanamiCD (さざなみCD) viene rilasciato nell’ottobre del 2007 sotto l’etichetta discografica della Universal Music. Il disco contiene tredici tracce:

1. Boku no Guitar (僕のギター)
2. Momo (桃)
3. Gunjou (群青)
4. de.Na.de Boy (Na.de.Na.deボーイ)
5. Looking for (ルキンフォー)
6. Fushigi (不思議)
7. Ten to Ten (点と点)
8. P
9. Mahou no Kotoba (魔法のコトバ)
10. Tobiuo (トビウオ)
11. Nezumi no Shinka (ネズミの進化)
12. Sazanami (漣)
13. Sabaku no Hana (砂漠の花)

SazanamiCD è stata una gradevole scoperta per la leggerezza che trasmettono i pezzi. In questo caso il genere rock-pop si espande per inglobare al suo interno anche il ritmo delle ballate tipicamente scozzesi di Donovan, al quale gli Spitz si sono sempre ispirati.
La melodia semplice si adatta perfettamente alla voce di Kusano e viceversa, senza mai annoiare l’ascoltatore, che al contrario prova una sensazione piacevole, elettrizzante dal primo all’ultimo brano.

 

— recensione di Roxana Macovei.


Guarda anche:

Sakamoto Shintarō – Let’s Dance Raw (ナマで踊ろう)

Risultato immagini per shintaro sakamoto

 Sakamoto Shintarō – Let’s Dance Raw (ナマで踊ろう)

 

L’ARTISTA

Sakamoto Shintarō è un compositore, produttore e cantante giapponese, nato ad Osaka nel 1967. Comincia la sua carriera nel 1989 a Tokyo come membro fondatore della band Yura Yura Teikoku (ゆらゆら帝国), di cui sarà il leader per vent’anni. Il gruppo rilascerà dieci album e si affermerà come una delle realtà musicali più originali ed eclettiche della scena giapponese, esplorando in particolare il genere del rock psichedelico. Acquisisce particolare notorietà grazie all’album del 2007 Kudou Desu (空洞です, Hollow Me in inglese), disco dalle sfumature più pop da cui vengono estratti due brani che faranno parte della colonna sonora del celebre Love Exposure (2007), pellicola del regista Sono Sion.

A seguito dell’inaspettato scioglimento della band nel 2010, Shintarō ha avviato una carriera da solista che lo ha visto finora coinvolto in vari progetti, dalla produzione di album in studio alla collaborazione con artisti internazionali. Ognuno di questi si è rivelato un successo di critica, portando il nativo di Osaka ad occupare un ruolo di rilievo anche nel panorama musicale degli ultimi anni.

 LET’S DANCE RAW (2014)

L’album che proponiamo oggi si chiama Let’s Dance Raw (ナマで踊ろう), rilasciato nel 2014 dalla Zelone Records, etichetta discografica fondata dallo stesso Sakamoto. Il disco è composto da dieci tracce:

  1. Future Lullaby Risultato immagini per let's dance raw
  2. Birth Of Super Cult
  3. Extremely Bad Man
  4. Let’s Dance Raw
  5. Like An Obligation
  6. Gently Disappear
  7. You Can Be A Robot, Too
  8. Why Can’t I Stop?
  9. Never Liked You, But Still Nostalgic
  10. This World Should Be More Wonderful

 

 

 

Let’s Dance Raw è un album estremamente godibile, caratterizzato da una mescolanza di stili diversi che creano un sound particolarmente vintage. Echi psichedelici e ritmi funk, lounge e country, contribuiscono a creare una combinazione di suoni variegata e originale, sebbene si possa avere l’impressione che i brani pecchino di espressività. Vengono impiegati vari strumenti, dal banjo a percussioni dai ritmi latini, ma è la steel guitar hawaiana – appoggiata sulle ginocchia di Shintaro nella copertina – a rubare la scena e ad essere l’elemento unificatore dell’album. Quello che colpisce è l’eleganza e la precisione con cui è strutturata ogni traccia, frutto di una produzione di livello notevole. La qualità di quest’ultima sta nella rivisitazione di sound passati e nella loro decisamente riuscita rielaborazione in chiave più fresca e frizzante.

Fin dalla delicata e fiabesca traccia iniziale, Future Lullaby, siamo trascinati in un viaggio coinvolgente, caratterizzato da un’atmosfera onirica ed esotica, alla quale la voce quasi biascicata e oscura di Sakamoto si adatta perfettamente. L’ascolto di ogni brano è particolarmente piacevole e rilassante, e il groove di brani come Extremely Bad Man e la title track Let’s Dance Raw non potrà che catturarvi e divertirvi.

La mescolanza di stili e mood ne fanno un album di spessore, formato da strati molto diversi ma ben coesi tra di loro che lo rendono per questo un prodotto affascinante ed accattivante. Il sound caldo e avvolgente lo rende un ascolto perfetto per chi ha bisogno di rilassarsi e trovare un po’ di quiete, o magari per chi sogna di trovarsi in qualche paradiso tropicale, lontano da tutti.

— recensione di Daniele Cavelli


Guarda anche:

 

Number Girl

I Number Girl sono una band formata nell’estate del 1995 a Fukuoka dal cantante e chitarrista Shutoku Mukai, a cui si sono uniti Hisako Tabuchi alla chitarra, Kentarō Nakao al basso e Ahito Inazawa alla batteria. Nel 1997 uscì il primo album School Girl Bye Bye, a cui un anno dopo seguì lo spostamento a Tokyo e vari concerti soprattutto nell’area di Shimokitazawa, quartiere famoso per i live club e la musica dal vivo.

Nel 1999 vi è il passaggio ad un’etichetta discografica maggiore, la Toshiba EMI, con il loro secondo album School Girl Distortional Addict, che rappresenterà la loro affermazione nel panorama dell’indie rock nazionale. Il sound di questo album, caratterizzato da un post-hardcore/noise rock che deve molto a gruppi come i Pixies e gli Hüsker Dü (così come si può evincere dal titolo della canzone Pixie Du), diventerà una pietra miliare del rock giapponese. L’album riesce a cogliere perfettamente l’atmosfera di fine secolo e tradurla in un’alternanza di noise rock e sonorità più melodiche ben studiata, risultato soprattutto della versatilità di Tabuchi alla chitarra e la voce cruda e grezza di Mukai. La vera evoluzione rispetto all’album precedente è la capacità di non adattarsi ad uno stile ma creare un suono proprio, con chiari echi non solo di band occidentali ma anche giapponesi di quel periodo, come Eastern Youth e Bloodthirsty Butchers, declinando il tutto in un album dal suono grezzo, dal ritmo veloce, con continui cambi di tempo e power chords. Anche i testi di Mukai, che spesso esprimono il disagio giovanile in uno stile unico, hanno contribuito al successo della band. Nel primo singolo estratto dall’album dal titolo 透明少女 (Tōmei Shōjo), il protagonista osserva la città che, colpita dai raggi del sole estivo, sembra quasi impazzire nella propria immaginazione, dove il paesaggio e i ricordi si accavallano dando all’ascoltatore un particolare senso di straniamento.

Gli anni successivi vedranno la collaborazione con il produttore discografico statunitense Dave Fridmann, conosciuto per il suo lavoro con gruppi importanti, tra cui The Flaming Lips. Costui sarà importante nella crescita artistica della band poiché la porterà a sperimentare elementi diversi all’interno dei loro album. Questo processo risulta evidente nell’ultimo album Num Heavymetallic, dove si nota un importante cambiamento nelle atmosfere sempre più dominate da una fusione del’indie rock con elementi discordanti provenienti dalla cultura giapponese classica. Vi è anche l’utilizzo di diversi effetti tra cui il delay e diversi stili di cantato, come si può notare nella canzone Num-Ami-Dabutz dove vi è l’utilizzo di un cantato sostenuto, quasi rappato. Quest’album può essere considerato un’anticipazione dei successivi lavori di Mukai dopo lo scioglimento dei Number Girl, che avverrà nel 2002 dopo l’abbandono della band da parte del bassista Nakao. L’ultimo concerto, tenutosi a Sapporo il 30 Novembre, è stato leggendario, con un esibizione finale di Omoide in my head rimasta nel cuore di tutti i fan. I membri della band prenderanno strade diverse ma resteranno sempre importanti nel panorama del rock underground giapponese. Mukai continuerà le sue sperimentazioni fondando i Zazen Boys, invece Tabuchi enterà a far parte dei Bloodthirsty Butchers. Come sottolineato dal giornalista esperto in musica giapponese Ian Martin nel suo libro “Quit your band!”, i Number Girl non sono stati la band con il successo maggiore a livello di pubblico, però la loro influenza si è propagata in tutto l’ambiente indie rock dell’epoca. Tra le band influenzate, le più famose sono probabilmente gli Asian Kung Fu Generation ed i ART SCHOOL.

Nel febbraio 2019 la band ha annunciato la propria presenza al Rising Sun Rock Festival in Hokkaido dopo 17 anni di inattività. La prima data del tour, in realtà, è stata il 18 agosto all’Hibiya Park di Tokyo. Successivamente, è stato annunciato un nuovo tour in tutto il Giappone in questo inverno.

ー recensione di Simone Lolli

 


Guarda anche:

Seguici anche su Facebook, Twitter e Instagram